“REPÚBLICA DE
ECUADOR”
C.C.T 31DST2003M
ASIGNATURA: ARTES-MÚSICA 3° PROFRA. FABIOLA FLORES AGUILAR
GRUPOS: 3°A, 3°B, 3°D, 3°E
PERIODO DEL 11 DE ABRIL AL 15 DE MAYO DE
2020. APRENDIZAJE ESPERADO: IDENTIFICA
LA INFLUENCIA DE LAS ÉPOCAS HÍSTORICAS EN LOS GENEROS, LOS ESTILOS MUSICALES DE
LAS PERSONAS (TRIMESTRE III). TEMA: “LA MÚSICA EN EUROPA (S.VI AL S.
XVI)” EJE: Apreciación
ACTIVIDAD # 8:
INSTRUCCIONES: LEE
DETENIDAMENTE EL SIGUIENTE TEXTO Y POSTERIORMENTE ELABORA UN ANÁLISIS ESCRITO DE LO QUE
ENTENDISTE SOBRE EL CLASICISMO MUSICAL Y REGISTRARLO EN TU LIBRETA DE ARTES.
“EL CLASICISMO MUSICAL”
Clasicismo es el estilo de la música culta
europea desarrollado aproximadamente entre 1750 y 1820 por compositores como
Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven. Coincide con la
época cultural y artística (en la arquitectura, la literatura y las demás
artes) hoy denominada Neoclasicismo. Tuvo sus grandes centros de difusión en
Berlín, París, Mannheim y, sobre todo, Viena. Se caracteriza por la claridad de
las texturas, la simetría de las frases, la consolidación de la tonalidad plena
y el establecimiento de las formas musicales clásicas (sinfonía, sonata,
cuarteto...).
El siglo XVIII fue el de la Ilustración, y
su estética se trasladó al estilo musical: gusto por lo natural, lo equilibrado
y lo claro; rechazo del artificio y el exceso de sofisticación de la música
barroca; imitación de la naturaleza, en forma de estructuras simples y frases
simétricas similares a las de la música folclórica; en la ópera, verosimilitud
y cercanía al espectador de los argumentos, e integración íntima del drama y la
música.
Además el público de la música culta se
extendió de la vieja aristocracia a la pujante burguesía, que compraba
masivamente ediciones de partituras y llenaba los teatros de ópera y de
concierto, lo que impulsó a los compositores a acercar su estilo a lo popular.
La difusión de la música aumentó y se internacionalizó, y con ella la fama de
los compositores más destacados, de modo que el estilo se unificó en toda
Europa y los autores más conocidos hicieron frecuentes giras por las
principales capitales del continente.
Como consecuencia de todo ello las
características principales de la música del Clasicismo son:
Uso de la textura de melodía acompañada,
consistente en el predominio de la voz más aguda, que centra el interés en su
melodía, mientras el resto de instrumentos la acompañan; sólo en ocasiones se
usa la homofonía o la polifonía imitativa. El acompañamiento es ya escrito
explícita mente (desuso del bajo continuo).
Melodías de un mayor carácter cantabile y
simétricas, con frases estructuradas en antecedente y consecuente (o pregunta y
respuesta), que típicamente se cierran en las armonías de dominante y tónica,
respectivamente.
Armonías muy claras y funcionales, basadas
en los acordes de tónica, dominante y subdominante, que estructuran las frases
y la forma musical con cadencias muy claras. El ritmo armónico (velocidad a la
que cambian los acordes) suele ser más lento que en el Barroco: es típico el
acompañamiento arpegiado llamado bajo de Alberti en el piano, o el trémolo en
el acompañamiento orquestal.
Se escribe mucha más música en modo mayor
(más alegre) que en modo menor. Se amplía el campo de las modulaciones y se
usan tonalidades cada vez con más alteraciones.
Compás muy claro y regido también por la
armonía.
Se amplía la orquesta y su rango dinámico.
Cada vez se escribe en detalle una mayor variedad de dinámicas y
articulaciones, dejando menos espacio a la interpretación del ejecutante.
Se usan formas estandarizadas (en
particular la llamada forma sonata) pero con gran interés y variedad en la
estructura interna de la música. Es en este periodo cuando se definen
claramente las formas y estructuras en las que se basa la música culta
occidental casi hasta nuestros días: la sonata, la sinfonía y el concierto
clásico.
1750
a 1775
Joseph Haydn, retratado por Thomas Hardy, 1792.
Para la década de 1750 las formas
instrumentales como el concierto y la sinfonía (ésta
originalmente la mera obertura de las óperas) habían ganado la
suficiente fuerza como para ser interpretadas independientemente de la música
vocal, y tenían gran aceptación en las cortes.
El compositor del momento era Franz
Joseph Haydn. Además de escribir sinfonías de estructura claramente clásica, escribió sonatas para pianoforte,
el nuevo instrumento de teclado en plena fase de perfeccionamiento y que
permitía mayores capacidades expresivas. Fue considerado también el gran
creador del cuarteto de cuerda, pues sus obras para esta formación, de
gran refinamiento melódico y armónico, dieron una importancia similar a los
cuatro instrumentos y fijaron la forma, lo que contribuyó a que el cuarteto
quedase establecido hasta nuestros días.
Hacia 1770 surgió el estilo llamado Sturm und Drang, inspirado en una especie
de protorromanticismo literario del mismo nombre que podemos ejemplificar en
el Werther de Goethe, y que en música produjo obras sinfónicas de
ambiente trágico y apasionado, casi todas en modo menor, como algunas sinfonías
de Haydn y C.P.E. Bach.
1775
a 1790
Wolfgang Amadeus
Mozart, en
retrato póstumo de Barbara Krafft, 1819.
El centro de gravedad de la música europea
se situó en Viena, donde un joven compositor comienza a revolucionar la
ópera y el concierto: Wolfgang Amadeus Mozart. Aunque se basó en los
aportes de Haydn, Mozart prefería melodías más cantables, al estilo italiano.
Además en sus obras se aprecian más cromatismos y otras modificaciones
armónicas. En cuanto a la instrumentación, utiliza más variedad de
instrumentos, en ricas combinaciones tímbricas.
En la década de 1780 Muzio Clementi adquiere
prestigio con sus sonatas y estudios para piano. Este compositor incentivó la
extensión de la tesitura del instrumento, entre otras modificaciones
que brindaron nuevas posibilidades. Similar papel jugó para el violonchelo Luigi
Boccherini, italiano afincado en España.
Beethoven
y el paso al Romanticismo.
Ludwig van Beethoven, retratado por Joseph Karl Stieler,
1820.
Una nueva generación de compositores
formada por Johann Nepomuk Hummel, Luigi Cherubini, Gaspare
Spontini, Gioachino Rossini y Ludwig van Beethoven comenzó
a cobrar importancia. Formalmente, la sección de desarrollo de la forma sonata
se hizo cada vez más compleja. También se complicaron los acompañamientos para
crear texturas más ricas, y la armonía se volvió más flexible y elaborada. El
piano ocupó un lugar central. Beethoven fue el que produjo los cambios más
profundos en el estilo y por ello es considerado el responsable de la
transición hacia el periodo romántico. Sus principales aportes fueron las
innovaciones armónicas, y la búsqueda de una mayor expresividad. También fue un
pionero en cuanto a la orquestación de sus sinfonías, ya que utilizó muchos
instrumentos que no formaban parte de la orquesta y esto impulsó la ampliación
de la misma.
Las formas musicales del Clasicismo:
En este periodo se establecen la principal
forma musical vigente hasta entrada el siglo XX, y las estructuras que las
rigen; entre estas estructuras se destaca la llamada forma sonata,
implementada en los primeros movimientos de la mayoría de las formas musicales
del momento (sonata propiamente dicha, cuarteto, sinfonía, etc.).
Formas
instrumentales:
Las formas instrumentales del Clasicismo
reciben su nombre según el conjunto al que están destinadas:
- La sonata está
escrita para un instrumento solista (generalmente el piano), o bien para
piano y un segundo instrumento (violín, flauta, etc.).
- El trío,
el cuarteto,
el quinteto...
denominan a obras escritas respectivamente para tres, cuatro, cinco...
instrumentos. Entre estas combinaciones quedan fijadas algunas plantillas,
como la del cuarteto de
cuerda o el quinteto de
viento.
- La serenata,
el divertimento y
la casación suelen
estar escritas para un conjunto de tamaño medio (pequeña orquesta de
cuerdas, banda de viento), para ser interpretados al aire libre.
- El concierto está escrito para un
instrumento solista y orquesta.
- La sinfonía es una
obra escrita para orquesta
sinfónica.
IMPORTANTE: TODAS LAS ACTIVIDADES MARCADAS DEBERÁN
REGISTRARLAS EN SUS LIBRETAS DE ARTES TOMARLES FOTO Y ENVIARLAS AL SIGUIENTE
CORREO ELECTRÓNICO PARA SU REVISIÓN: flowi.art41@gmail.com
FAVOR DE PONERLE NOMBRE COMPLETO GRADO Y GRUPO EN EL ENCABEZADO DE SUS
TAREAS PARA PODER IDENTIFICAR QUIEN ENVIA LA TAREA.
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